Dans le cadre de leur nouvelle tournée, les voilà live dans les studios de SFR Live Concerts, et chose cool, c’est que vous pouvez regarder ça ici:

Rendez-vous donc, mardi, à 21h pour regarder ensemble ce Live qui s’annonce grandiose, soyez à l’heure. Vous pourrez Live Tweeter l’évènement en utilisant le hashtag #LWATP. Merci SFR!

Kay :  Zaho, ça te fait quoi d’être de retour ?

Zaho : Ça me fait plaisir, j’avais hâte. C’est de la bonne excitation, c’est une bonne adrénaline, même s’il y a le côté doutes, etc. Mais ça me manquait justement d’être secouée comme ça, et j’ai hâte.

Kay : Ton album s’appelle « Contagieuse ». Explique-nous un peu le concept qui se cache derrière.

Zaho : Pourquoi « Contagieuse »? Parce que la vie est contagieuse, parce que la musique est contagieuse. Parce que ce qui est contagieux, dans le dictionnaire, c’est ce qui se communique très très facilement, et je pense que les choses les plus belles sont celles qui se communiquent le plus facilement. Au lieu de dire « tiens t’as vu, je t’ai ramené ça, çà » etc.  tu peux aussi dire « je t’aime », ça va droit au but. Ce sont les choses les plus simples qui sont les plus belles. Et puis j’aimais bien le côté « partage » dans la contagion, c’est-à-dire moi, pour que je puisse te contaminer (elle s’approche et me touche, ndlr), il faut que je puisse te toucher. C’est un défi déjà, de te toucher. Pas au sens propre, mais au sens figuré. Pour te toucher, il faut que quelque chose me touche, donc c’est un peu cela, le cycle de la vie, le cycle de l’amour, ou de manière générale, en amitié, en amour qu’il soit paternel, maternel…. Tout ce qui nous entoure, tout simplement.

Kay : Comment qualifierais-tu l’évolution entre « Dima » et « Contagieuse » ?

Zaho : Tu as déjà dit le bon mot, « évolution ». Je qualifierais la différence entre ces deux albums d’évolution. Dans le sens où « Dima », c’est très bien, jusqu’à aujourd’hui je pense qu’il n’a pas beaucoup vieilli, au niveau des textes, etc. Sauf que je n’ai pas changé, j’ai évolué. Donc forcément, sur l’album « Contagieuse », je m’assume beaucoup plus. J’ai pris plus de risques au niveau des thèmes, au niveau de la plume. Il y a des doubles, voire triples lectures des fois du même texte. Selon l’état dans lequel on se trouve on va comprendre telle chanson de telle ou telle manière. Quelqu’un qui aurait vécu telle chose va me dire  « tu sais, ton morceau « Tourner La Page », il parle vraiment de mon histoire ». Alors que moi je parle d’autre chose, et quelqu’un d’autre va dire que le même titre parle de son enfance, etc. On ne sait pas, et c’est ce que je trouve beau, c’est juste que ça touche, et chacun le colle à son vécu comme il peut, comme il veut.

Kay : Justement, tu parles de « Tourner La Page », j’ai eu l’impression en écoutant l’album qu’il s’agissait de l’un des titres les plus personnels…

Zaho : C’est pas le plus personnel !

Kay : Ah oui ? Ce serait lequel alors ?

Zaho : Selon l’interview, les gens ont des perceptions différentes du titre qui me serait le plus personnel. Pour toi c’est « Tourner La Page », dans l’interview d’avant c’était « Un Peu Beaucoup », et avant ceux-là c’était « Divisés ». Donc chacun s’approprie ce qu’il pense être le plus personnel en fonction de leur projection de moi, de ce qu’ils pensent connaître de moi. Tu te dis, « ce morceau, je me serais senti tout nu si je l’avais fait ». Pour moi, tout est personnel.

Kay : Je comprends. Pour moi, la dimension personnelle de « Tourner La Page » résidait plus dans  la partie de la chanson où tu dis « A ceux qui m’écoutent »…

Zaho : Ouais, exactement…

Kay : C’était vraiment cette connivence là que j’ai trouvé très personnelle, parce qu’il n’y a pas beaucoup d’artistes qui s’adressent directement au public comme ça dans les versions studio de chansons, et j’ai vraiment senti une atmosphère intimiste…

Zaho : Tout à fait. En fait, « Tourner La Page », c’est une expression qui veut dire passer à un autre chapitre de sa vie, tout simplement. C’est-à-dire digérer les choses et aller de l’avant. Je trouve cette expression forte, et c’est ce que je fais en écrivant. Je ferme des chapitres et j’en ouvre de nouveaux. Parce que c’est un peu comme cela que j’exorcise mon mal, ou mon bien, et que je partage des choses avec les gens. Et c’est en faisant cela que je m’assume plus, et au final je passe au-delà des épreuves. Et dans « Tourner La Page », j’explique pourquoi j’écris. Tout simplement.

Kay : Passons au titre « Divisés » qui m’a beaucoup intrigué. Je trouve ta plume vraiment géniale, et intrigante. Tu dis « ils nous ont divisé pour mieux régner ». Qui sont « Ils » ?

Zaho : Et bien je suis arrivée à mes fins, parce que je veux susciter l’interrogation chez l’autre. C’est qui « Ils » ? C’est toi, moi, tout le monde, l’être humain. Je ne donne pas de leçons. Je donnerais des leçons à mes nièces, et encore, même à mes nièces, je leur donnerais des leçons de ce que mon vécu m’a inculqué, et peut-être que j’aurais tort de leur mettre des barrières comme ça. Maintenant, moi dans « Divisés », ce que je voulais c’est parler de l’être humain. Qu’est ce qui nous pousse  à chercher la différence, pourquoi pointer du doigt ce qui n’est pas pareil ? Dans nos têtes , on doit être tous pareils. Ce n’est pas le cas, et c’est très bien comme ça. Sauf qu’au final, nos peines, nos émotions, c’est la même chose. Quand je dis « Couleur ébène, blanc ivoire ou peaux mates, les deux yeux qui t’aident à voir sont malades, y a-t-il un cœur derrière ces automates ? J’ai fuit, je survis parmi les nomades ». Je dis « nomades », donc déjà je survis parmi une catégorie que j’ai défini comme étant à part. Donc c’est déjà faux, tu vois ce que je veux dire ? Il y a plusieurs lectures, il faut lire entre les lignes. Ou quand je dis « Papa, Maman, ma liberté est morte, enterrée sous des lois et bien des codes, moi qui n’ai jamais tiré sur une corde » c’est-à dire, moi qui n’ai jamais abusé des choses, « à moins de mieux serrer mon cœur au votre ». Il y a des pseudos règles et règlements instaurés partout, même à notre échelle dans nos relations, amoureuses ou familiales. Qu’est ce qui est bien, qu’est ce qui ne l’est pas. C’est à chacun de se faire sa lecture des choses.  Tant que je peux mettre un gros point d’interrogation, ça me va.

Kay : Dans ton titre « Mea Culpa », tu dis : « Le blues de Tracy… ».  Tracy Chapman, donc…

Zaho : Ah ! (Rires) T’as compris toi ! T’es le premier à me le dire, c’est bien ça !

Kay : (Rires) : Donc, « Le blues de Tracy, le flow de DMC, moral en acier hard comme AC/DC ». J’ai trouvé que cette phrase te décrivait très bien, puisqu’il y a dedans ton côté Street-Rap, ton côté Blues tinté de Folk et de Soul, et un éclectisme marqué. Du coup, est-ce que ce mélange de styles est difficile à entretenir aussi bien sur le plan artistique que sur le plan commercial ?

Zaho : C’est très difficile sur le plan commercial. Artistiquement on peut tout faire, tout est possible. Sur le plan commercial, c’est pas évident. Et c’est pour ça que, si tu remarques bien, tout ce que j’ai pu faire jusqu’à présent, que ce soit mon album ou des collaborations etc., j’ai pris le temps de les exploiter jusqu’au bout. J’ai commencé avec un « C’est Chelou » pour arriver à habituer l’oreille à un « Je Te Promets », ce qui est un grand écart. Mais pour faire cela, il faut peaufiner petit à petit, il faut y aller, même si au début on aura des « oh c’est pas bien », « c’est chelou ? C’est quoi cette expression ? ». Parce que les gens, « Ils » – justement on fait partie des « Ils » (en référence à la question liée au titre « Divisés », ndlr) -  ont tendance à vouloir mettre tout dans des cases. On a besoin que ce soit rangé, l’être humain est comme ça. On ne veut pas réfléchir. On veut la zone de confort. On ne veut pas sortir de ce qu’on connaît tous les jours, et si on en sort c’est ponctuellement. On ne veut pas que l’on nous impose de sortir de notre routine dans laquelle on se sent bien. Donc pour moi, il est là le challenge : doucement et gentiment, ouvrir les gens. Il y a beaucoup de journalistes qui sont venus me voir – encore ce matin – pour me dire « vous savez, on vous a vraiment cataloguée sur le premier album, mais en fait vous êtes une bête d’artiste, vous avez une vraie plume etc. ». Et j’ai envie de dire, c’est très bien. J’ai changé quelqu’un, j’ai changé la vision de quelqu’un. J’ai demandé à ce journaliste de réécouter  le premier album avec l’ouverture qu’il a aujourd’hui, tout simplement.

Kay : Est-ce qu’on t’a déjà fait des comparaisons avec la chanteuse Brandy ?

Zaho : Oh, à l’époque, au Canada, quand je commençais, c’était la grande explosion de Brandy avec Darkchild. C’est vrai qu’on me comparait souvent à Brandy à l’époque. Mais je n’ai pas du tout entendu de comparaisons depuis ces cinq dernières années. Parce que Brandy, on n’en entend plus beaucoup parler, et c’est surtout les old schoolers qui vont faire le rapprochement. Mais j’ai beaucoup écouté Brandy…

Kay : J’ai toujours trouvé qu’il y avait des similitudes dans la manière dont vous construisiez vos arrangements vocaux…

Zaho : Oui, c’est quelqu’un que j’ai beaucoup écouté, que j’aime beaucoup. Après, c’est pas les paroles du siècle, mais on ne l’écoute pas pour ça. Je m’inspire plus de Tracy Chapman pour le côté Soul, le côté sérieux. D’ailleurs, si tu veux une anecdote, si on parle de Brandy, la première fois que je suis arrivée au Canada, j’avais des écouteurs de walkman à l’époque dans les oreilles, et j’avais mis la cassette de Brandy en rentrant à Montréal. Je débarquais d’Algérie, je ne connaissais pas du tout le Canada. Et j’avais « Top Of The World » dans les oreilles, et je voyais les gratte-ciels, et je me disais « putain, je suis dans un clip ! Ça se passe ! C’est bon ça !» (rires) Voilà, une petite histoire, pour te dire que j’étais remplie d’espoir, remplie de détermination, c’était vraiment comme dans les clips que je voyais à l’époque et c’était un truc de fou pour moi.

Kay : Le prochain single de « Contagieuse » ?

Zaho : Je n’en sais rien. Peu importe ce que ça sera, je le défendrai jusqu’au bout. Pour moi, tout est un single. Single ne veut pas dire quelque chose d’évident. C’est quelque chose qu’on a envie de faire découvrir. Tu sais, pour beaucoup, le choix de « Boloss » était évident comme single. Non. Ce n’est pas évident. Même si la musique est forte, même s’il y a des gimmicks, la seule chose évidente c’est que ça serait le premier single parce que je n’aurais pas pu le sortir derrière un morceau comme « Divisés ». Donc je voulais que le point de départ soit « Boloss » pour que ça fasse effet boule de neige justement, un truc aussi bête que laisser entrer quelqu’un dans sa vie, et là un échange commence, et tout l’album commence. Et plus on avance, plus on va dans des sujets profonds, pour finir avec « Aller », et on recommence… C’est de l’espoir.

Kay : Tu as collaboré avec une pléiade d’artistes…

Zaho : Tu as utilisé le mot ! « Pléïade ». Tu l’as sorti du dico celui-là ! (rires)

Kay : (rires) Oui, une pléiade d’artistes ! De La Fouine à Kery James, en passant par Sean Paul ou Justin Nozuka… Si tu devais ne retenir qu’une seule collaboration, ce serait laquelle ?

Zaho : Francis Cabrel !

Kay : Alors justement, Christophe Willem déclare à ton sujet : « Elle amène pas mal de classe dans ce style musical urbain. Et ce n’est pas facile d’apporter de la classe dans ce registre-là. Ce n’est pas simple non plus d’être reconnu. Elle a quand même écrit pour Cabrel et reçu un prix pour son écriture. Je trouve que ce n’est pas assez mis en avant parce qu’elle est cantonnée à cette image médiatique « urbain » ». Qu’est-ce que tu en penses ?

Zaho : C’est ce qu’en font les médias. Ce sont les règles du jeu. Eux, ils me donnent la parole quelque part, d’ailleurs je remercie tous les médias dans mon album. Qu’est-ce que j’avais écrit déjà ? « Merci d’être ce haut-parleur qui me permet de m’exprimer » tout simplement. Sauf que le haut-parleur il peut être distorsionné des fois, il peut saturer parfois, il peut mettre un compresseur, il peut y avoir de l’autotune… Mais tant qu’on me donne la parole et qu’on comprend de l’autre côté, ça me va. Et tant qu’il y a des gens assez futés… Ou pas. Des gens assez ouverts d’esprit en tout cas pour entendre, ça me va. Parce que c’est à moi de prouver qui je suis. Tu sais,  je vais te prendre un exemple bidon, c’est comme à l’école. Moi, le prof qui me dit « tu n’y arriveras jamais », je me fais un challenge, un défi de réussir et de revenir le voir, je transforme cette énergie négative en ambition. Et quand tu es face à la personne, tu n’as plus envie de te venger, tu te sens juste désolée pour elle.

Kay : Parmi les textes que tu as écris, quel est celui qui te rend le plus fière ?

Zaho : Le plus fière… C’est une question très difficile. (Elle réfléchit longuement, ndlr)

Kay : Ça semble très dur pour toi…

Zaho : Oui, c’est vraiment très dur.

Kay : Tu peux m’en donner plusieurs alors !

Zaho : J’ai envie de dire « Un Peu Beaucoup ». « On ne récolte que ce qu’on sème, suis-moi je te fuis, fuis-moi je t’enchaine, mais ça ne sert à rien que je te retienne si je valse entre l’amour et la haine, mais je tombe de haut vers le seuil comme un ange déchu banni par le ciel, une feuille en automne que le vent balaye, j’ai dû aimer un peu beaucoup, je n’aurais jamais dû donner tout ». Et par exemple, on ne récolte que ce qu’on sème… Semer, S’aimer. Voilà il y a plusieurs lectures possibles. Ce sont des textes que j’aime lire et relire. Il y a « Divisés », que j’ai écrit instinctivement, d’une traite, en une heure. C’était évident. J’étais secouée par plein de choses. « Jardin d’Eden » : « mon armure cache un petit cœur de porcelaine, pose ta main sur ma blessure et tu sauras à quel point je saigne, comme Excalibur j’ai tout fait pour que tu m’appartiennes, je me disais qu’à l’usure tu finirais bien par me dire « je t’aime », ce n’était pas idem, j’ai dû aller loin pour pouvoir te trouver et je me suis perdue là où personne ne peut me trouver ». Et là tu te dis « ouah ! La chute du film, oulala » (rires). Je trouve ça beau, c’est de la poésie.

Après il y en a plein, « Tourner La Page »… Pour moi il y a des métaphores de fou parce que même moi je découvre des sens nouveaux, que j’ignorais pendant que j’écrivais le texte. « Et je laisse la vie m’emporter, et je laisse ma plume me porter »… Une plume c’est ce qu’il y a de plus léger, donc le fait qu’elle puisse te porter, c’est significatif tu vois… Quand je dis « ivre comme un poète, libre comme une mouette ». Au début quand je l’ai écrit je me suis « bof », mais en fait j’aime bien l’idée. Les mouettes on ne les aime pas, c’est un peu l’oiseau que l’on dégage à coups de pieds. Mais ce sont les seules qui accompagnent les solitaires au large. C’est un peu comme ça que je me définis, ceux qui n’ont pas compris mon art et crachent dessus le comprendront quand ils sentiront le besoin d’être accompagnés par moi au large, tout simplement. Il y a plein de niveaux de lectures. « Ivre comme un poète », parce que je bois des vers de poésie.

Beaucoup de personnes sont venues me dire à la fin des concerts, « merci ». Ca m’a toujours intriguée. « Merci de mettre des mots sur ce que je ne peux exprimer », ça pour moi c’est un compliment de fou. Donc c’est pour ça que je dis « A ceux qui m’écoutent et qui eux-mêmes sont otages, j’écris pour vous dire, courage ! ». A un moment donné, ayez le courage de vous exprimer. C’est en s’exprimant qu’on existe, tout simplement. « A ceux qui m’écoutent, même lorsque je doute »… Parce que je suis humaine, et je montre plus mes faiblesses sur cet album. « Même lorsque je doute, je chante, merci, je vous aime, quand je suis lâche ». C’est plus difficile de dire « ouais je te kiffe, ouais franchement merci », mais on a du mal à dire « je t’aime ». Pourtant il faut le dire aux gens qui nous entourent. Moi ça m’aide de le dire en le chantant, et je veux le dire aux personnes qui m’entourent, je vous aime.

 
Kay : Est-ce qu’il y a un ou plusieurs titres que tu ne souhaiterais pas chanter dans quinze ans ?

Zaho : J’espère qu’il n’y a aucun titre que j’ai écrit que je ne souhaiterais pas chanter dans quinze ans. Ca serait renier qui j’étais, et sans qui j’étais, je ne serais pas. Point. Donc si je suis moi aujourd’hui c’est parce que j’ai chanté « C’est Chelou », que j’ai chanté avec Kerry James, Rohff etc. Renier ça, cela voudrait dire que j’ai un problème avec moi-même, et je n’aimerais pas avoir un problème avec moi-même.

Kay :  Est-ce que tu as déjà envisagé une carrière internationale avec un album en anglais ?

Zaho : On m’a déjà proposé cela, mais la plume fait partie de mon univers artistique, mon découpage des mots… J’ai déjà chanté en anglais pour le kif, j’ai déjà fait des refrains avec Sean Paul et Justin Nozuka, ça m’amuse mais… Pourquoi pas ? Il faudrait que j’écrive moi-même mes textes et que j’arrive à trouver un intérêt de m’exprimer en anglais. On peut être international sans avoir la barrière de la langue, rien qu’à voir le succès de PSY avec « Gangnam Style » (rires).

Kay : Un dernier message aux personnes qui écouteront ton album ?

Zaho : Ecoutez-le à différents moments de la journée, et écoutez-le seuls, et en groupe, tout simplement. Il y aura plein de coups de foudre différents, des rencontres différentes et des compréhensions différentes.

Me voilà donc dans ce lounge cosy, moderne mais chaleureux, quand Jamie arrive, un sac Zara à la main, et un joli manteau sur le dos, il revient d’un périple touristique me dit-il (et d’une interlude shopping sans doute, je t’ai grillé Jamie). « On vient de grimper tout en haut de la tour Eiffel! ». Voilà une bonne chose de faite! C’était comment? « Vraiment génial! ». Je suis jalouse (eh oui j’ai le vertige).

Après avoir commandé un café, je rentre tout de suite dans le vif du sujet: quelles étaient leurs influences musicales lorsqu’ils se sont mis à bosser sur « Colours » ? 

Jamie- Les influences de Tommy sont assez diverses, du Hip-Hop à la Dance en passant par le Rock. Je me suis contenté d’y ajouter une touche de soul et une pincée de folk. Donc en fait on a fait en sorte de mélanger tout ça lorsqu’on a travaillé sur l’album.

* Est ce que c’était un challenge de mettre autant de styles de musiques sur l’album? Est-ce que tu avais peur parfois que certaines chansons ne rentrent pas dans le cadre de « Colours » ?

Jamie- Il y a plein de choses qui font que ça ne devrait pas marcher et pourtant ça l’fait! Tommy a été comme un magicien lorsqu’on était en studio, sa manière de voir les choses, de produire les chansons, c’est ça qui a fait le son unique de Graffiti6.  Par exemple, on a une chanson qui s’appelle « Goodbye Geoffrey Drake » et une autre qui s’appelle « Stare Into The Sun », elles peuvent paraître similaires au premier abord, mais grace à Tommy pas tant que ça.

* Quelle est la chanson la plus spéciale pour toi sur l’album? 

Jamie- « Over You » est probablement ma préférée. C’est une des premières dont j’ai écrit les paroles.

* Est-ce que c’était dur pour toi de chanter en Français dans la nouvelle version de « Free »?

Jamie- J’ai vraiment adoré faire ça en fait. Je n’ai jamais vraiment utilisé le français que j’avais appris à l’école jusque là. 

* Oh donc tu as pris des cours de Français à l’école?

Jamie- Oui oui, en Angleterre c’est obligatoire, dans mon école en tout cas, jusqu’à 15/16 ans je crois. 

* Quand tu as commencé à bosser avec Tommy D, tu es arrivé en studio avec une version acoustique de « Stare Into The Sun », Tommy a produit la chanson et deux jours plus tard, tu es revenu en studio, assez choqué et mécontent du résultat. Est-ce que la transition de ton projet solo (Jamie Scott & The Town) à la formation de Graffiti6 a été compliquée pour toi? 

Jamie- Pas vraiment, car au début pour moi ce que je faisais avec Tommy n’était qu’un projet à part, en plus de ma carrière solo. Mais ça c’est tellement bien passé, et on aimait tellement les sons qu’on avait fait ensemble, que ce simple projet est devenu ma priorité à part entière! J’ai mis de côté ma carrière solo pour de bon, Tommy a arrêté de produire des chansons pour les autres, et on s’est lancé à fond dedans.

* Est-ce que c’était important pour toi que toutes les chansons de « Colours » puissent être jouée live en acoustique?

Jamie- Oh oui totalement, pour la raison suivante: nous les avons écrites de cette façon au départ! Alors on savait que même en acoustique elles fonctionneraient, parce qu’on les a créées juste avec un piano et une guitare, et on ne les a produites qu’après. Toutes nos chansons étaient acoustiques à la base, sauf peut-être « Colours », « Calm The Storm », et « This Man » qu’on a vraiment improvisées en studio. (NDLR: mes 3 préférées *__*)

* Comment Tommy et toi vous êtes vous rencontrés?

Jamie- J’ai rencontré Tommy grâce à un ami qui m’avait signé sur Universal, et qui m’a suggéré de rentrer en contact avec lui, juste pour voir, et ça a commencé comme ça, c’est un mec génial, on s’est bien entendu de suite!

* Est-ce que vous bossez facilement ensemble alors?  (Il finit son café et s’excuse d’avance avant de mettre le doigt dans sa tasse pour en récupérer la mousse « c’est la meilleure partie » dit-il. Moi qui ne commande les cappuccinos que pour leur mousse, je ne vais certainement pas lui jeter la pierre. How cute!)

Jamie- On a écrit 17 chansons pour notre premier album, seulement 13 sont sur le disque, et il n’y en a que 2 que nous n’avons pas fini. Donc on les a écrites assez rapidement, il nous a fallu 1 an et demi pour finir l’album, sachant qu’on a du passer environ 2 ou 3 mois à bosser sur les chansons. Donc oui, c’est plutôt rapide !

* J’aime aussi beaucoup Graffiti6 pour cet univers coloré, comment en êtes vous arrivés à bosser avec Jimi Crayon (l’artiste qui s’occupe de tous leurs visuels) ?

Jamie- On avait besoin de lui pour faire une campagne virale sur internet, donc on peut dire qu’il était là depuis le début du projet. Dans l’esprit ça n’allait jamais être un projet solo pour moi, ça a toujours été une collaboration [avec Tommy] donc on avait besoin d’une pochette originale, car ça on n’allait pas juste mettre ma photo en couverture avec Graffiti6 d’écrit à côté tu vois? Alors il a fait quelques créations pour nous et ça ne s’est jamais arrêté depuis, il est comme le 3e membre du groupe en fait.

* J’ai vu que tu avais déménagé à Los Angeles récemment, pourquoi choisir L.A.? C’est tellement loin de Londres, de tes racines européennes.  

Jamie- Eh bien c’est parce qu’on a signé dans une maison de disques au Etats-Unis en grande partie, et je voulais être en mesure de faire de la promo pour l’album là bas autant que je pouvais, mais ils me renvoient souvent à l’étranger [en Europe] en ce moment (rires).

* Est ce que l’esprit, l’énergie à propos de la musique est différente là bas par rapport à Londres?

Jamie- Pour moi en tant qu’artiste c’est vraiment différent oui. J’avais l’impression de me lasser de certaines choses en étant à Londres, j’avais vraiment besoin de changement. C’est rafraichissant.

* Votre musique est dans l’air du temps mais ta voix est tellement pleine de soul, comme les chanteurs des 70s, je me demandais si tu avais un coach vocal ou pris des cours de chant étant plus jeune?

Jamie- Non jamais en fait, ma voix est comme ça depuis toujours. J’ai grandi en écoutant des chanteurs assez cool, Curtis Mayfield, Marvin Gaye, Joni Mitchell, c’est peut-être ça le secret. (sourire)

* Vous étiez en indépendant il n’y a pas si longtemps, maintenant vous êtes signés dans une grande maison de disque (EMI chez nous), est ce que ça change beaucoup de choses?

Jamie- J’aimerais te dire que non, mais évidemment ce n’est pas le cas. L’industrie aujourd’hui est faite pour que tout tourne autour de gros labels. C’est pour ça qu’au début on a préféré faire l’album de notre côté, et le produire nous même. On l’a fini, et c’est seulement à partir de ce moment là qu’on a été voir les maisons de disques pour voir qui voulait nous signer. On savait alors que s’ils étaient intéressés c’était par notre disque et pas pour changer telle ou telle chose, vu que l’album était déjà fini.

* J’ai vu sur twitter que tu étais en studio avec Marsha Ambrosius, est ce que tu bosses sur d’autres projets en ce moment?

Jamie- Ah oui, Marsha j’ai bossé avec elle sur quelques chansons pour son prochain album! A part ça c’est tout. On vient tout juste de commencer à bosser avec Tommy sur de nouvelles chansons aussi pour Graffiti6.

* Avec quel(le) artiste aimerais-tu travailler?

Jamie- Mhhh je sais pas. (pause). Avec Adele ce serait cool, elle a vendu quelques albums non? (rires).

* Moi je t’imagine déjà avec Stevie Wonder. Ca ça serait la classe.

Jamie- Ah oui tiens moi aussi j’aimerais bien (rires).

* Last but not least, avec les fêtes de Noël qui approchent, est-ce que tu vas nous reposter une petite cover comme tu l’avais fait l’an dernier?

Jamie- (rires) Eh bien à la base on devait aller à Los Angeles en studio travailler sur de nouvelles chansons, mais je ne suis pas sûr qu’on y aille maintenant, du coup ça me laisserait du temps pour vous faire une autre cover oui!

(la-dite cover de l’an dernier, tout simplement géniale)

Graffiti6 – Last Christmas 

C’est sur cette chanson de Wham que s’est terminée mon interview avec ce Londonien délicieux, qui, malgré la fatigue et un emploi du temps chargé, m’a gentiment accordé un peu de son temps. Le superbe premier album de Graffiti6 intitulé « Colours » (si vous n’aviez pas encore saisi) sortira début Janvier chez nous. Vous savez ce qu’il vous reste à faire!

Merci à Arnaud de chez EMI.

Voilà un nom de scène bien minimaliste pour un personnage si haut en couleurs me direz-vous. -M- (aka Matthieu Chédid pour tout ce qui est sécu et factures d’électricités) fait un peu partie de l’inconscient collectif. On connaît ses chansons, on en aime forcément une, voire deux, on entonne machinalement les paroles lorsqu’on entend « Onde Sensuelle » à la radio, on ne zappe pas quand on voit un de ses clips à la TV. Il a ce quelque chose de captivant, et en même temps de familier. Comme s’il avait toujours fait partie du paysage.

La perspective de passer ma journée avec cette être singulier m’a tout de suite ravie. Et ça a commencé comme ça… Dans le métro! Station Jaurès. Je me suis perdue dans les méandres des couloirs, mais je suis arrivée à la surface pile à temps, tambour battant. Et l’ordinaire devint extraordinaire! En guise d’introduction nous avons droit à une jolie impro de danseurs (mais ça j’y reviens plus tard). Enfin l’ho-M-me de scène est arrivé, visiblement heureux d’être là et prêt à nous réchauffer. Il nous interprète 5 ou 6 chansons de son répertoire dont « La Seine », « Mojo », « Onde Sensuelle » ou encore « Je Dis Aime ».

Puis rendez-vous au CentQuatre, sorte de grand hangar rénové dédié à la culture. Là je rencontre -M- avec quelques autres chanceux comme moi, dans une petite salle de répèt feutrée, cachée derrière des vitres teintées. Il se présente à nous, pantalon noir, un peu satiné, sequins dorés brodés ça et là négligemment, veste rouge en velours, boots en croco. Si j’aimais le côté sombre de « Mister Mystère » j’aime encore plus la touche dandy funky qu’il a rapporté de son « Îl ». Car -M- c’est non seulement une identité vocale, mais aussi visuelle. Spontanément, il vient vers chacun de nous pour nous serrer la main et on finit tous par s’assoir autour de lui, comme on se regrouperait entre potes autour du feu, prêts à boire ses paroles.

Il parle de sa fille, déjà artiste dans l’âme. « C’est elle qui a dessiné la pochette de l’album. Elle écrit des textes, des paroles incroyables. Je suis son père après tout ». Toujours avec une pointe d’humour, mais au fond il n’a pas tort, le talent c’est de famille et chez les Chédid il semble improbable que cela saute une génération. Il évoque aussi sa nouvelle équipe de musiciens, rencontrés à Los Angeles, et comment il a fallu faire la transition, sans Cyril Ateph, un de ses acolytes de toujours, ou sans son frère ni sa sœur, qui étaient présents sur sa dernière tournée mais ça « c’est pas pareil, c’est ponctuel » dit-il, c’est la famille. Une valeur a laquelle il a l’air particulièrement attaché. Il évoque avec tendresse sa grand-mère (la poète Andrée Chédid, décédée l’an dernier) à laquelle il a beaucoup pensé lors de son concert dans le métro « ca lui aurait plu d’être là. C’était un moment très poétique, amener l’art dans un lieu commun de la vie de tous les jours ».

Certains auraient été réticents d’ailleurs, de se produire comme ça, dans le métro, mais pas lui. « Les gens étaient bienveillants, très souriants, il y avait pas mal de monde, la foule n’était pas du tout agressive, c’était une grande joie, un très bon moment ». Il nous explique que c’est important dans le milieu artistique de ne pas appréhender, de ne pas avoir peur. « J’ai souvent des gens autour de moi qui ont peur [quand il est trop entouré], mais moi j’ai pas vraiment peur. Quand l’énergie est positive, même quand les gens le sont moins [positifs], ça réussit à se transmettre, c’est ça qui est génial ».

Beaucoup de changements donc récemment, il souligne que pour lui la « fidélité est importante évidemment, mais c’est bien aussi de ne pas rester figé, de se sentir libre ». Il nous parle aussi de son excitation pour la nouvelle tournée, pour laquelle il sera accompagné, pour l’instant, de 2 musiciens, au lieu des 6 habituels donc. « C’est plus facile parfois de faire décoller un concert à 3 plutôt qu’à 7 ».  Et il nous dévoile un secret: c’est James Thierrée, petit fils de Charlie Chaplin qui a dessiné ses lunettes ‘magiques’.

Le concert privé commence, comme dans le métro, avec un tableau du couple de danseurs étoiles de l’Opéra de Paris, Nicolas Le Riche et sa femme Clairemarie Osta. Une rencontre, un hasard nous explique-t-il. Ils se sont croisés dans un avion, le danseur est un fan, et serait déjà venu le voir plusieurs fois en concert, il souhaitait même que Matthieu lui compose des musique d’opéra (chose qu’il n’a pas encore eu le temps de faire, « je ne sais même pas si j’en serais capable » ajoute-t-il, modestement). De leur rencontre est né ce tableau, la carrière de -M- revisitée en quelques chansons, racontée en danse. Une jolie histoire pour un très beau personnage.

On entre dans le vif du sujet avec « Mojo », son premier single à la puissance tubesque, ce n’est plus à prouver. Je retrouve sa voix, si particulière, tantôt féminine, fluette, parfois rock, toujours délicate. Puis il alterne ses nouvelles chansons avec les classiques « Je Dis Aime » et « Nostalgique Du Cool ». Il nous offre des solos de guitare de folie, se met au piano pour « La Vie Tue », et rejoue « La Seine », sans Vanessa Paradis (mais accompagné d’un violon et d’un violoncelle). Il enchaîne avec mes deux gros coups de cœur de la soirée, « Océan » une ballade mélancolique électro (dédiée à DJ Mehdi) et « Oualé », morceau épuré/aérien pour lequel Nicolas Le Riche est revenu faire une apparition, exécutant un solo tout en fluidité. Une manière très poétique de finir la soirée, tout à son image.

(Pour le reste des photos c’est par ici )

Merci à Aurore de Barclay.

« Est-ce que quelqu’un d’autre veut prendre un peu d’eau ? dit-elle après avoir parlé avec le serveur. Je suis vraiment désolée pour mon retard, en plus je vais devoir partir dans pas longtemps vu que j’ai un train à prendre. Mais expliquez-moi comment ça se passe… Est-ce qu’on va juste discuter ? » continue-t-elle. « C’est très étrange… Posez-moi des questions parce que je n’ai jamais fait ça avant ! C’est étrange mais c’est vraiment sympa.»

Cela ne fait que quelques minutes, et je suis pourtant déjà charmé par l’authenticité de la personnalité de cette londonienne de 28 ans, devenue en quelques mois l’une des coqueluches de la scène electro-urbaine underground britannique, en pleine transition du monde alternatif vers le monde mainstream. 

Kay : Ta musique est décrite comme un mélange de plusieurs styles musicaux… Du R&B à l’électro, en passant par le dubstep et la Soul… Mais toi, comment décrirais-tu la musique que tu fais?

Jessie : Je souhaiterais la décrire comme de l’electro-soul britannique. Pour moi le R&B fait un peu partie de la Soul, puis il y a mes références électro avec SBTRKT, Sampha et Joker… Je trouve qu’au Royaume Uni, il y a un son vraiment cool en ce moment. Tu as des producteurs et des chanteurs électro fantastiques… Donc le terme Electro-Soul britannique c’est ce qui me conviendrait le mieux. Mais j’aime tout, j’aime la Pop, la bonne Pop…

Blogueur : Tu vas commencer ta tournée bientôt… T’attendais-tu à une telle réception de ta musique ? Qu’attends-tu lors de ta tournée ? »

Jessie : J’étais très excitée d’apprendre que toutes les places de mon concert au Bowery Ballroom à New-York se sont vendues en une demi heure… Bon ok, ça n’a pas pris 30 minutes, mais 45 minutes, c’est tout comme (rires). En tout cas, c’est vraiment de la folie, parce que je n’ai pas encore été aux USA. Et je crois que je dois beaucoup à des médias comme Pitchfork ou Fader qui me soutiennent. C’est vraiment génial que ça puisse se produire, et j’adore New-York, donc je suis très contente qu’ils semblent m’aimer.

En tout cas, j’ai hâte de débuter la tournée. Jusqu’à maintenant, j’ai surtout fait des Festivals, c’est vraiment là que j’ai débuté. En janvier j’ai fait un festival assez étrange qui s’appelle l’Eurosonic Festival, vous connaissez ? C’est au Pays-Bas. Il y a beaucoup de presse et de promoteurs qui viennent vous voir jouer et décider s’ils ont envie de vous booker ou pas… C’était génial en fait, mais on a attendu avant de se lancer dans les tournées, et je suis vraiment contente de pouvoir le faire maintenant que l’album est sorti, comme ça le public pourra connaître les chansons… J’espère… Non, je sais que le public sera agréable, parce que jusqu’à maintenant, pour les deux shows que j’ai fait à Londres, le public a été fantastique. Il y avait même des filles avec des doubles chignons et tout (en référence à la coiffure souvent portée par Jessie Ware, ndlr) c’était vraiment mignon ! En tout cas, je ne sais pas comment ça sera, j’ai un peu peur d’être en vadrouille, je suis plus une fille casanière… Mais je pense que ça fera chaud au cœur de voir tant de gens se déplacer pour venir m’écouter, et j’ai vraiment hâte.

Kay : Clash Magazine te décrit comme « le maillon manquant entre… »

Jessie : « …Adele, SBTRKT et Sade ! (rires) Oui oui, je sais! »

Kay : (rires) On doit souvent te parler de cette description! Elle me semble très adéquate, mais qu’en penses-tu? La trouves-tu appropriée? Flatteuse?

Jessie : J’adore cette description. C’est très flatteur ! J’adorerais qu’elle soit adéquate. Adele est incroyable, et l’influence de Sade sur la manière dont j’ai toujours voulu faire de la musique est absolument indéniable. Le genre d’artiste qu’elle est, et tout ce qu’elle accompli avec son groupe, le fait qu’ils soient toujours d’actualité aujourd’hui… Le fait qu’elle ait pu partir fonder une famille et revenir et faire des titres comme « Soldier Of Love »… C’est très important pour moi, et j’espère qu’un jour je serai capable de faire tout cela. Et puis SBTRKT, c’est la personne qui a vraiment lancé ma carrière. Sa musique est belle, exaltante et romantique, et très originale. Donc, réunir ces éléments, ça serait assez incroyable.

Blogueur : Avec quel artiste souhaiterais-tu travailler en ce moment ?

Jessie : Tu sais quoi, Perseus a fait un remix de mon single « Night Light ». C’est tellement bon, il est génial. J’adorerais travailler avec lui à nouveau. J’adorerais travailler avec Disclosure à nouveau également. Je pense qu’ils ont tout ce qu’il faut pour connaître autant de succès que SBTRKT. J’adore Frank Ocean, mais c’est pareil pour tout le monde non? Je veux travailler avec lui. Je crois qu’il doit se dire que je suis probablement cinglée – s’il a entendu parler de moi bien sûr, parce que je parle de lui dans toutes mes interviews (rires).

Kay : J’aurais vraiment adoré que tu travailles avec deux artistes britanniques…

Jessie : Ah oui? Qui ?

Kay : Delilah…

Jessie : Oh tu aimes Delilah ? Elle a une superbe voix…

Kay : Et Lianne Lahavas.

Jessie : J’adore Lianne!

Kay : Peux-tu faire en sorte que ça devienne réalité ? Vous trois sur une chanson…

Jessie : J’aurais adoré que cela se produise. Tu sais quoi ? Lianne est une fille tellement adorable et gentille. Elle m’a laissé faire les premières parties de ses concerts au moment où je n’étais pas assez connue pour obtenir des premières parties. Elle aurait pu me percevoir comme une concurrente, mais au lieu de cela elle m’a demandé de venir faire la première partie de ses shows, et moi tout ce que j’ai pu répondre c’était « je t’aime » (rires). On communique beaucoup par textos. Elle était à l’hôpital il y a quelques semaines et on s’envoyait des SMS, je m’assurais qu’elle allait bien… On ne se connaît pas depuis longtemps, mais on a vraiment été un véritable soutien l’une pour l’autre. Je l’admire beaucoup et je lui suis très reconnaissante de m’avoir aidée. C’est très important pour des femmes de s’entraider, la solidarité féminine… Donc c’est pour tout cela que j’aime Lianne. Je ne connais pas Delilah personnellement par contre.

Kay : Je vais maintenant te lire une citation et tu devras me dire qui t’a dit cette phrase et dans quelles circonstances. « Ecrire une chanson c’est comme chier. Il faut juste que tu laisses tout sortir ».

Jessie : (Rires) Je n’aurais jamais dû dire ça, parce que le pauvre Dave est un homme très intelligent, qui s’exprime très bien, et je lui ai collé cette citation, c’est horrible… Mais oui, c’était Dave Okumu. C’était notre première session d’écriture ensemble. J’avais fait quelques sessions auparavant mais elles ne fonctionnaient pas. Je ne travaillais peut-être pas avec les bonnes personnes. En tout cas, je me sentais un peu abattue, et je l’ai rencontrée et lui ai dit « je n’arrive pas à écrire de chansons, je ne sais pas trop ce que je fais » et c’est à ce moment qu’il m’a sorti cette fameuse phrase. Et je ne sais pas, je crois que c’est l’absence de prétention chez lui, sa simplicité qui m’ont ouvert les yeux. Et ça a très bien fonctionné entre nous, et je l’ai tout de suite apprécié. Il est très important pour moi. Je le respecte énormément en tant que musicien et il est devenu un ami très cher.

Je pensais que personne n’aurait quoi que ce soit à faire de ce que je pouvais avoir à dire. Je me disais que j’allais probablement écrire à propos de l’amour et que ce ne serait rien d’original. Puis j’ai réalisé à quel point c’était important pour moi et qu’il fallait que j’arrête de trop réfléchir. Et quand je me suis lancée, je crois que j’avais l’illusion que je pourrais écrire comme Bob Dylan en un claquement de doigt, ce qui n’était pas possible, et qui ne l’est toujours pas d’ailleurs… Et ce n’est pas grave. J’étais très dure avec moi-même, je ne voulais pas m’autoriser à croire que je pouvais y arriver, et je n’y prenais aucun plaisir. Et c’est ce qui a été bien avec Dave, c’est qu’il m’a permis d’apprécier l’expérience, de faire un album. De réaliser que beaucoup de personnes ne peuvent pas faire d’albums, et que je devais juste profiter de l’instant.

Il y a quelques jours, j’ai fait l’émission Jools Holland, et j’étais en pleine panique. Une grosse crise de doutes. Puis j’ai eu envie de me donner une claque et je me suis dit : « tu es à Jools Holland. Tu as regardé cette émission depuis toute petite et tu as toujours voulu y être, donc essaie de profiter de ce moment. Profite de ce moment. » Je n’ai jamais le temps, mais j’essaie vraiment de tenir un journal intime de manière à écrire tout ce qui se passe, comme le fait que je vous rencontre ce soir… Comme ça je peux m’en souvenir et l’apprécier. Aujourd’hui j’ai marché vers la Tour Eiffel sous le soleil et j’ai pu chanter une chanson près de la Seine. Et c’est important de se poser pour apprécier ces moments parce que c’est facile d’être submergé par l’inquiétude, surtout quand tu es aussi anxieux que moi. Le fait que je sois à Paris un lundi soir, c’est génial, tu vois ce que je veux dire ?

Blogueur : Avant ton album solo, tu étais une artiste « à featuring ». Maintenant tu es une artiste solo à part entière. La transition a-t-elle été difficile ?

C’était un peu effrayant parce que j’ai été signée très rapidement suite à une chanson intitulée « Nervous », que je n’avais pas vraiment écrite. J’ai bien participé à la session d’écriture dans le studio mais j’étais si silencieuse… Et quand j’ai été signée, je me suis dit « Oh, super, maintenant il faut que j’arrive à déterminer qui je suis, ce que je vais faire… ». Je savais ce que je voulais faire, mais j’étais très timide quand il s’agissait de l’exprimer ; j’étais très effrayée. Cependant j’ai eu la chance de faire ce que je voulais faire et travailler avec des gens géniaux comme Kate Moross pour la pochette de l’album, et elle m’a laissé faire les clips que je voulais faire, même si je disais que je voulais chanter dans un bar vide et faire du voguing…. Elle était partante! Donc oui c’était stressant, mais j’ai commencé à apprécier la chance que j’avais de pouvoir le faire.

Kay : J’aime beaucoup le clip de ton single « Night Light », je le trouve fantastique. Est-ce le clip dont tu es le plus fière jusqu’à maintenant ?

Jessie : Je ne pense pas que ce soit celui dont je suis le plus fière. Je l’aime beaucoup, et j’aime le fait que ma sœur soit dedans, que mon petit-ami y soit également… C’est le mec de dos. Il est très timide, mais comme il a fait de la musculation et que j’aimais le résultat, je lui ai proposé d’apparaître dans le clip de dos, parce que je savais que le résultat serait réussi (rires).

Mais celui dont je suis le plus fier… C’est soit « Running » ou « Wildest Moments ». Pour « Running », je me suis surprise moi-même. Je suis arrivée avec l’idée de chanter dans cet espace vide, et le concept d’un look androgyne pour une scène et un look beaucoup plus féminin dans une autre, pour faire la diva très puissante… Mais la veille du tournage je me suis dit « mais qu’est-ce que tu as foutu? » (rires). Je n’ai jamais fait de clip auparavant… Et si je n’arrivais pas à le faire ? Donc j’ai regardé des clips de Whitney Houston pour m’inspirer (rires). Et la première scène qu’on a tournée, je devais descendre les escaliers, et je suis tombée ! Il y avait du sang partout. J’ai eu une cicatrice sur mon pied. Ils m’ont demandé si ça allait, j’ai répondu que oui, « the show must go on ». J’étais au final très fière de moi-même. Pour « Wildest Moments », je voulais m’assurer que le résultat serait honnête et brut, parce que la chanson est très importante à mes yeux. Elle parle de ma meilleure amie. Je ne voulais pas de voguing pour ce clip, je voulais quelque chose de naturel et simple. Et l’idée de la caméra qui bouge comme cela, en une seule prise, empêche toute vanité – tu ne peux pas supprimer une scène pour telle ou telle raison. Donc j’ai eu un peu la sensation de faire du théâtre, où tu dois assurer dès la première fois parce qu’il y a le public. J’étais très fière de cela. Et j’étais contente que cela ait marché et que les gens aient pu apprécier, qu’ils n’aient pas pensé que c’était le clip le plus ennuyeux qu’ils aient jamais vu.

Blogueur : Et question style, comment as-tu décidé d’opter pour un style 80’s ?

Jessie : Je ne sais pas, je ne le vois pas vraiment comme un style 80’s, mais je voulais d’un style sophistiqué, classique, féminin et chic. Et je veux que ma mère puisse être fière de mon style, qu’elle me dise qu’elle trouve ça beau.

Blogueur : Tu sais quoi ? j’ai trouvé la photo de quelqu’un à 18 ans, tu la reconnais ?

Jessie : Oh mon dieu! C’est Posh Spice ! Tu crois que je ne connais pas Posh Spice ? (Rires)

Blogueur : Oui, mais le style !

Jessie : Oh mon dieu c’est génial !

Jessie, visiblement très enthousiasmée, sort son appareil pour prendre en photo la série de photographies que le blogueur lui montre sur son iPad.

Blogueur : J’ai tout de suite tilté sur le style qu’elle a sur cette photo, c’est le même que le tien…

Jessie : Je ne me suis pas inspirée de Posh Spice quand elle avait 18 ans (rires), mais en tout cas j’adorerais sortir avec David Beckham (rires). Posh Spice c’est mon icône de la mode préférée!

Alertée par son staff sur le timing de l’interview, Jessie se voit obligée de conclure.

« Et sur cette note, merci beaucoup, ravie de vous avoir rencontrés ! Vraiment désolé de devoir partir… ».

La chanteuse repart avec la même bonne humeur que celle avec laquelle elle était arrivée. Quant à moi, je repars avec la sensation d’avoir pris un verre avec une pote aussi charmante (Jessie est étonnamment beaucoup plus belle en vrai, au naturel) qu’attachante, et une envie pressante de réécouter et savourer son album « Devotion ». Talent et authenticité ont rarement fait aussi bon ménage.

Le chanteur de R’N'B est principalement connu en France pour ses nombreux tubes qui envahissent nos ondes depuis maintenant six ans. On se souviendra notamment des énormes succès de titres comme « So Sick » , « Sexy Love » ou plus récemment de l’excellent « Let Me Love You » extrait du nouvel album.

A cette occasion, So Sound en partenariat avec So Music, a le plaisir de vous faire gagner deux invitations (2×1 place) pour le concert privé de Ne-Yo le 27 Novembre à l’Alhambra (Paris). 

Pour jouer c’est très simple, il vous suffit de liker la page de So Sound sur facebook : et de répondre à la question ci-dessous en commentaire de l’article :

Quel est le nom du nouvel album de Ne-Yo ?

(MAJ) Le concours est terminé, les 2 gagnants ont été contactés. Bravo à Mathilde .P et Cyrielle .T

Pour son premier opus, le chanteur agenais a certes su s’entourer, mais a également tenu à marquer de son empreinte son projet de bout en bout (il a écrit 9 des 12 titres qui composent l’album). Rien d’étonnant en somme, puisque en dépit de son jeune âge, Stéphan Rizon n’est pas né de la dernière pluie de paillettes déversées sur un plateau télé un soir de prime, pour célébrer le gagnant du dernier tremplin musical à la mode…

Si « The Voice » a évidemment été un formidable accélérateur de notoriété pour l’artiste, sa biographie nous révèle qu’il n’a jamais été question pour lui de lâcher la proie pour l’ombre. Bâtissant au contraire avec clairvoyance sa carrière, pierre après pierre, des rencontres d’Astaffort de Francis Cabrel dont il sortira premier lauréat en 2007, à l’enregistrement d’un EP 6 titres en 2010, en passant par la scène, évidemment : Stéphan aura donc suivi la voie empruntée naturellement par tout jeune musicien, avant de finalement devenir LA voix.

Depuis le 29 Octobre , « From Mars With Love », son premier opus entre Pop, Soul et Blues, est donc dans les bacs. Un album orienté grand public, qui pourrait séduire les amateurs d’Irma, Ayo ou autre Inna Modja. Vous souhaitez le découvrir ? Trois exemplaires de « From Mars With Love », gracieusement offert par le label Mercury (Universal) sont à gagner cette semaine sur SoSound !!!

Pour gagner, c’est très simple, il vous suffit de liker la fanpage de So Sound et de laisser un commentaire ci-dessous avec vos coordonnées obligatoires (nom – email) à propos de Stéphan Rizon. 

Vous pouvez augmenter vos chances, en partageant le lien du concours sur les réseaux sociaux. 

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Bonne chance à tous!

Ô l’ironie du choix du 14 juillet, fête nationale française et date symbolique de la chute de la monarchie, pour une confirmation haute en couleurs du statut monarchique de Madonna Louise Veronica Ciccone dans l’industrie musicale. Le titre de Queen Of Pop a en effet été tellement galvaudé au cours des années, attribué à tout-va, qu’il est nécessaire, de temps à autre, de remettre les points sur les i. Et c’est un peu ce que l’unique détentrice du titre a fait sous mes yeux samedi dernier au Stade de France. N’en déplaise à certains.

Un Stade de France rempli de fans et amateurs de tous âges, mais s’il fallait faire une moyenne, elle approcherait les 35-40 ans. Autour de moi, des démonstrations de fanatisme un peu bancales : un drapeau français sur lequel est écrit « MDMA » (le jeu de mot « MDNA » aurait-il échappé au fan ?) s’agite de temps en temps, tandis qu’un autre fan a brièvement tenté d’exhiber, non sans fierté, un T-Shirt sur lequel il a écrit « Madona Call Me », avant d’être rappelé à l’ordre par des fans moqueurs lui rappelant l’orthographe correcte du prénom de la Madone. D’autres fans rendent hommage à leur idole en enlevant leurs soutien-gorge et petites culottes pour attirer l’objectif du caméraman dans le but d’avoir leur quart de seconde de gloire sur les grands écrans du Stade de France. En ce qui me concerne, mon occupation consistait plus à trouver un moyen de m’éloigner de ce monsieur juste devant moi dont l’odeur pestilentielle avait créé autour de lui un périmètre de sécurité olfactive et un exode latéral et progressif des quelques malchanceux qui, comme moi, recherchaient désespérément un air plus sain.

Deux heures après l’ouverture du stade, c’est le DJ Martin Solveig qui fait son entrée, armé de quelques uns de ses hits dancefloor, mais surtout des hits des autres. L’appréciation du public semble assez aléatoire, tantôt déchainé sur le « Titanium » de David Guetta et Sia, tantôt endormi sur les titres peu connus du DJ, par-dessus lesquels il a eu la fausse bonne idée de chanter. Une première partie peu aboutie donc, avec toutefois une surprise intéressante puisque will.i.am, leader des Black Eyed Peas, a débarqué sur scène afin de clôturer le set de Solveig, enflammant le stade grâce à ses tubes et son énergie (on tentera tant bien que mal d’oublier sa prestation vocale sur son dernier single « This Is Love »). Une fois cette bonne surprise passée, c’est tout de même une heure d’attente supplémentaire qui nous attend, avec pour seules sources de divertissement ces fameuses olas improvisées.

L’attente est longue, pénible, douloureuse, mais est-elle surprenante ? Elle ne l’aurait pas été venant d’une diva, mais elle semble presque logique venant de LA diva par excellence. L’on est toutefois particulièrement soulagé de voir le supplice toucher à sa fin à 22h20, quand les hostilités sont enfin lancées, et en grande pompe ! Une introduction grandiloquente plonge l’intégralité du stade dans une ambiance mystico-religieuse, peuplée de chants de moines et reposant sur une imagerie chrétienne avec cette gigantesque croix centrale ornée des lettres MDNA. D’emblée, l’on en prend plein la vue et le ton est donné : ce show sera une succession de chocs visuels, une succession de tableaux travaillés au millimètre près pour un résultat des plus impressionnants. Une véritable claque pour un adepte du détail tel que moi.

Le premier tableau est celui que j’ai trouvé le plus abouti : une entrée en matière fulgurante et dynamique sur le titre « Girl Gone Wild », qui voit Madonna exécuter une chorégraphie avec une énergie et une précision déconcertante, si l’on se souvient de son âge ; un enchainement plutôt bien pensé de « Revolver » à « Gang Bang » (très certainement l’un des meilleurs titres de l’album « MDNA »), ce dernier jouissant d’une illustration particulièrement violente mais avec un véritable travail esthétique. Une ambiance sombre et mystérieuse que j’aurais souhaité voir plus présente tout au long du show, plutôt que de voir Madonna affublée de cette tenue de majorette/pom-pom girl dans un tableau beaucoup moins intéressant sur le plan visuel, mais tout autant travaillé. Un tableau qui fut le théâtre de ce fameux pic lancé à une certaine Lady Gaga via le mash-up controversé « Express Yourself »/ « Born This Way », le tout ponctué du titre « She’s Not Me » histoire de ne laisser aucune place à une quelconque ambigüité quant au message véhiculé par ce mash-up.

Autre moment marquant, l’arrivée sur scène du trio basque Kalakan, coup de cœur musical de Madonna, pour des versions revisitées de quelques uns de ses titres tels « Open Your Heart », mélangés pour l’occasion au titre « Sagarra Jo » du groupe, ainsi que la ballade « Masterpiece », autre titre phare de l’album « MDNA ». Et la magie de ce mélange inattendu opère ! Le charme acoustique et traditionnel basque offre une saveur inédite et très agréable aux titres de la Madone, proposant une coupure des plus délectables dans un show majoritairement dominé par des sonorités électroniques et synthétiques.

Et l’on retrouve la même dichotomie sonique dans la prestation vocale de Madonna tout au long du concert, oscillant entre playback à peine dissimulé et prestations 100% live, impressionnante de justesse vocale ! Véritable surprise pour ma part, moi qui m’attendais à un concert entièrement en playback. L’on s’efforcera d’oublier les horribles passages live excessivement autotunés, seule grossière erreur de parcours notoire dans ce show remarquable. Il semblerait dommage en effet de réduire la qualité de ce show selon un critère vocal quasi dérisoire s’il est pris dans l’intégralité des composantes du concert, et cela vient d’un défenseur inconditionnel de l’importance du talent vocal dans l’industrie musicale. Madonna n’a jamais été une vocaliste reconnue pour son talent vocal ; ses performances vocales n’ont jamais été un élément clé de son succès durant sa carrière, et il en est de même pour ses prestations. Si l’on accepte Madonna comme une entertainer musicale et non une chanteuse, il semble plus aisé d’apprécier ce qu’elle propose sur scène à sa juste valeur.

S’agissant d’un show de Madonna, le facteur provocation était absolument incontournable. Que ce soit sa scène de masturbation sur une réédition dégoulinante de sensualité de son titre «  Like A Virgin », ou encore sa scène d’effeuillage sur son titre « Human Nature », la chanteuse tient à prouver qu’à 53 ans, elle n’a pas perdu grand chose de sa réputation sulfureuse grâce à laquelle elle a bâti sa carrière… Même si l’on regrette l’incohérence de l’exposition mammaire pas vraiment nécessaire, surtout après que Madonna ait fustigé à plusieurs reprises sa rivale Janet Jackson suite au fameux épisode du Superbowl… Mais la provocation de Madge ne s’arrête pas au plan sexuel. Pour illustrer son titre « Nobody Knows Me », la diva a utilisé un montage vidéo assez époustouflant mettant en scène une brochette de personnages publiques, politiques et religieux tels Benoit XVI, Adolf Hitler ou encore notre Marine Le Pen nationale. Cette dernière n’a visiblement pas apprécié l’apposition d’une croix gammée sur son visage… Après presque 30 ans de carrière, la stratégie de provocation de Madonna n’a visiblement pas pris une ride.

Après 1h15 de show, la Reine de la Pop referme le rideau sur son tube « Celebration » afin de conclure sur une note rythmée et festive, pour le plus grand bonheur des fans. Un show qui, à mon sens, a tenu ses promesses en terme de divertissement visuel. Une véritable intelligence dans la construction du show, le calibrage millimétré de la mise en scène, la pertinence des choix des enchainements, jusqu’au choix des différents mash-ups chantés ou utilisés en interlude… Chaque tableau était digne d’un clip à grand budget, et c’est ce travail que je félicite. Madonna est l’exemple à suivre à la lettre si l’on souhaite combiner vision artistique et longévité, et est l’une des rescapées de l’époque où la norme exigeait des artistes Pop qu’ils offrent un spectacle digne de ce nom. Mon seul regret, de n’avoir pas eu la chance d’être témoin d’un tel spectacle à l’apogée de la carrière de la Madonne.